Lethargy: Una huída introspectiva

Con una personal mezcla compuesta por la recreación de atmósferas inquietantes y la contraposición entre la frialdad de las máquinas y la sensualidad de los cálidos susurros femeninos, Julio Tomé y Mayte Cruz, los creadores del madrileño proyecto Lethargy, nos muestran el lado salvaje y apasionado de la música electrónica “made in Spain” en su primer LP, “Escapa”.

La mayor parte de vuestros temas tienen un componente sensual importante que conseguís con la recreación de atmósferas inquietantes, susurros femeninos, etc. ¿Qué porcentaje del estilo de Lethargy es música y qué porcentaje es sexo?

No se puede separar lo uno de lo otro. Cuando compones música se refleja en ella parte de tu personalidad. No es algo intencionado. Si se percibe une carga sensual es algo que no está preconcebido, simplemente aflora de nosotros de una forma natural.

En un momento en el que Ricky Martin arrasa en las pistas de baile de medio planeta. ¿Por qué apostáis por la electrónica y los sintetizadores y no por el cha cha chá?

El sonido de Lethargy es el resultado de un montón de influencias que vienen a nuestras mentes dadas por todo lo que hemos visto y oido a lo largo de nuestras vidas, todo aquello que te marca y emociona. Desde luego, Ricky Martin y el cha cha chá no forma parte de todo ello.

¿Creéis que se puede hablar de música experimental en nuestro país?

A pesar de las pocas facilidades y salidas que existen en nuestro país siempre habrá gente que se dedique a la experimentación en mayor o menor grado. Simplemente harán lo que a ellos les apetezca. De todas formas no creemos que exista una escena desarrollada y reconocida.

Salvo contadas excepciones como el Sónar o el Experimentalclub (que este año se traslada al otoño), resulta bastante difícil que el público español disfrute de este tipo de música en espacios abiertos. Según vuestra opinión ¿cuál es la razón por la que las grandes promotoras de conciertos de nuestro país deciden no apostar por ello?

El principal problema es el económico. Todo se rige por el dinero y desde luego las grandes promotoras no van a arriesgar ni una sola peseta. Todos trabajan sobre seguro. Luego , aparte está el público. Es más fácil pagar cifras astronómicas por un D.J. asegurando llenos absolutas y ganancias descomunales. Por último, las instituciones y medios de comunicación no ofrecen ningún tipo de facilidades para otro tipo de propuestas que no sean las más comerciales.

¿Por qué sin embargo sí promueven conciertos de Hooverphonic, Massive Attack o Portishead que tienen una línea musical en cierto sentido bastante próxima?

Suponemos que seguimos hablando de este país . El problema es que hasta ahora siempre hemos valorado más todo el material que nos viene de fuera. Esperamos que en la actualidad surgan nuevas expectativas para todos los que se dediquen al arte en cualquiera de sus manifestaciones y que haya respuesta por parte de público y medios de comunicación.

¿El título del álbum hace referencia a alguna huida en particular, se trata de animar a la gente a escapar de lo cotidiano hacia otros paraísos artificiales…?

Claro que se trata de una huida particular .De lo cotidiano, de la rutina ,de todo aquello que hace que tu vida no sea lo especial que debe ser. Pero siempre a lugares interiores perdurables y no a paraísos artificiales y pasajeros

Habéis escogido “The Crow”, uno de los poemas más conocidos de Edgar Allan Poe para adaptarlo musicalmente igual que lo hiciera para el cine el nominado a los Goya de este año Tinieblas González. ¿La elección ha venido determinada por la facilidad de adaptar vuestra música a uno de los textos más densos y oscuros de la historia de la literatura o existen otras razones?

La razón principal es que sentimos una particular predilección por este tipo de literatura y en especial por Edgar Allan Poe.

¿Cómo surgió el tema “Cartoon Memories”? Es francamente extraordinario.

Surgió por la necesidad de crear un tema más agresivo con respecto a los otros. Se pueden apreciar unas bases rítmicas más duras y una carencia de melodía en la voz,arropada por el sonido de los sintetizadores en algunas de las secuencias.

La frialdad de las máquinas y lo industrial contrasta como bien apuntáis con la calidez de la voz de Maite. Esto mismo ocurre en el último disco de Najwa o en toda la obra de Björk. ¿Existe según vuestro punto de vista alguna similitud con estas artistas?

La única similitud es la combinación de voz femenina con un tipo de música que se sale de las características comerciales, pero cada uno dentro de sus propios matices.
Reconocemos también que Bjork ha servido como parte de nuestras influencias por su dilatada carrera como cantante.

Con referencias como Autechre, Massive Attack, Skinny Puppy, Orbital o The Cure vuestro estilo queda bastante definido, pero ¿Qué sorpresas esconde el grupo? ¿Cuál es vuestro punto fuerte?

Nos esforzamos por conseguir un sonido personal, que todo nuestro trabajo suene con unas características comunes y al mismo tiempo diferente a otras propuestas.

Contadme algo sobre el diseño del disco, la relación que os une a sus artífices y a la revista Belio.

Cuando tuvimos la revista Belio en nuestras manos y descubrimos esa mezcla de oscuridad y modernidad nos sentimos identificados al instante. Después de conocerlos personalmente y compartir ideas supimos que ellos serían los encargados de poner imagen a nuestra música.

¿Es el llamado “arte extremo” un movimiento artístico que se va abriendo camino en nuestro país a todos los niveles, o musicalmente hablando queda relegado a países como Alemania que están más acostumbrados al noise y la música industrial?

Afortunadamente podemos decir que aunque sea tímidamente con respecto al resto de Europa se intuye algo de interés por la cultura extrema. Valga como ejemplo, musicalmente hablando, las reediciones de disco de Esplendor Geométrico de los principios de su carrera, y de la aceptación de las fiesta Drum & Noise organizadas por Belio Magazine.

Entrevista: Elena Quintana.
(Fecha de la publicación: 02/08/2001)
Fotos por cortesía de Lethargy.