Mauri Sanchis: Palabras desde el corazón del groove

Mauri Sanchis es probablemente el músico de jazz de nuestro país que más encendidos elogios ha recogido en los últimos años: un tipo joven, treintañero, que domina el órgano Hammond con soltura admirable y con un sentimiento que antes parecía reservado a las leyendas del género.

Ahora acaba de presentar oficialmente y en directo su tercer álbum (en el Festival de Jazz de San Javier), “Groove Words”, un disco en el que experimenta con un estilo de producción inédito en su discografía, y en el que ofrece una sólida mezcla de soul, blues, rock, funk, r&b, gospel y jazz. El trabajo ha sido producido por él mismo junto a Dean Brown y en él participan 23 músicos que han grabado en 17 estudios localizados en 5 países: Randy Brecker, Chuck Loeb, Kepa Junkera, Sole Giménez o Javier Vargas.

La entrevista que ahora os ofrecemos fue realizada en el mes de marzo, tras la escucha en exclusiva de una versión previa de su álbum, y con el objeto de ser publicada en la revista especializada Soul Nation. Allí apareció en su número 8, que se lanzó en el mes de mayo y aún puede conseguirse en quioscos de todo el país (aprovechamos para aconsejar la lectura de esa cuidada publicación; podéis conocerla visitando su web: www.soulnation.es). Pero dado que Soul Nation tiene los límites naturales del papel y que las preguntas de Mauri Sanchis fueron muy extensas e interesantes, hemos solicitado al equipo de dirección de esa revista el permiso para incorporar aquí la versión completa y en estilo directo (pregunta/respuesta, frente al indirecto de Soul Nation) de la entrevista:

¿Cuál es el título de tu nuevo álbum?

El álbum se llama “Groove Words”. En principio tenía pensado llamarlo sólo Words (palabras en inglés) porque es el primer disco donde me he lanzado a escribir letras. Sin embargo, dado que estoy harto de que se intente “etiquetar” mi música y siempre se encuentren palabras que reflejan sólo parte de la realidad, añadí la palabra Groove que creo que es algo que sí tienen todos mis temas.

Tu música siempre ha tenido elementos de funk y soul, pero tus dos primeros discos yo los catalogaba claramente en jazz… ahora con tu nuevo álbum percibo que la ecuación se ha invertido. ¿Lo ves así? ¿Te parece que tu nuevo álbum es sobre todo un disco de funk y soul?

El problema que tenemos los músicos y, más concretamente los compositores y productores, con la mayoría de etiquetas es que nos limitan a hacer las cosas en una dirección. Algo absolutamente contrario a la filosofía de la creatividad que es lo que nos mueve. Entiendo que la prensa y los programadores de festivales y teatros necesitan usar una palabra que pueda definir al público lo que van a ver o escuchar. Pero habitualmente el público sale con la sensación positiva o negativa de haber visto algo más que lo que una palabra puede indicar. Como bien dices, mi música ha sido hasta ahora catalogada de jazz, blues o funk. Sin embargo, creo que nadie que compre el disco o vaya a ver un concierto pensando en Miles Davis, B.B. King o James Brown salga con la sensación de que ninguna única de esas palabras definen lo que hago. En este disco yo veo temas con un claro corte Blues, otros muy rock, los hay más funkeros, otros definitivamente soul, incluso gospel e, incluso, el tema más jazzero de cuantos he compuesto, Miles Away. Este tema tiene mucho de paradoja porque donde ninguno de mis temas ha estado jamás influído por la música de Miles, justo en este he decidido incluir una trompeta, su instrumento, como solista. Lo he llamado así con doble intención porque mi música está, en líneas generales, a “millas” (Miles) del concepto de jazz clásico y de Miles pero justo este tema es el más jazzero de todos.

¿Tus escuchas musicales de los últimos tiempos explican tal vez esa progresión?

En absoluto. Creo que de lo que realmente hablamos es de conceptos de producción, lo que afecta al sonido. Y eso es algo que tengo pensado ir cambiando disco a disco. Me apetece mucho ir jugueteando con diferentes enfoques de producción y, una vez tengo claro por donde ir, siempre hay referencias a seguir. Pero el proceso es inverso al que me comentas. Primero decido y después busco referencias.

En este disco, además de componer la música también te has atrevido con las letras… ¿Cómo te ha resultado la experiencia de escribir esos textos?

La verdad es que ha sido una experiencia muy gratificante porque para mi la música está por encima de todo. Nunca he sido amante de prestar atención a las letras. Sin embargo, por un lado han sucedido cosas en mi vida que me ha apetecido contar y, por otro, la respuesta de los cantantes y, especialmente de Dean Brown (co-productor) ante mis letras ha sido absolutamente inesperadamente positiva (ten en cuenta que estoy escribiendo en inglés) y en el proceso decidí escribir más temas cantados.

En este nuevo álbum colaboran un montón de músicos de primera línea. Te voy a preguntar por algunos de ellos… Conociste a Randy Brecker y Chuck Loeb en Pori Jazz en Finlandia… ¿Cómo fue “el flechazo”? ¿Cómo surgió el que participaran en el álbum?

La “culpa” de lo de Chuck fue de Blas Fernández, mi batería. Estábamos sentados en un sofá del hall de nuestro hotel antes de ir a tocar y se puso a hablar con Eric Marienthal que estaba al lado. Eric nos presentó a Chuck con quien comparto distribuidora, Indigo, y le di mi disco Good Vibes!!!. Me dio su contacto y ahí surgió todo. Con Randy ya había contactado por e-mail pero lo conocí personalmente también en ese hall. Así es como suelen suceder las cosas en este mundo de la música, a todos nos gusta colaborar con cuantos más músicos.

Kepa Junkera es un acordeonista muy ecléctico, aunque evidentemente vinculado a la música de raíz… ¿Fue difícil encontrar una forma de integrar su instrumento, y su forma de frasear, en el contexto de tu banda y tu música?

Podría decir que en esto también tiene algo de culpa Blas, ya que estuvo muchos años tocando con Kepa y me había hablado muchas veces bien de él. Kepa me invitó a tocar en un concierto en mi propia casa, en Alcoy y yo hice lo propio cuando fui a tocar a Barakaldo. Desde esas ocasiones he tenido pensado hacer un tema con él y cuando surgió la Nana, que es un tema perfecto para su instrumento lo llamé y, la verdad es que lo ha bordado. Su participación es magnífica.

Javier Vargas… un guitarrista con una solera impresionante… Háblanos de tu relación con él y de la colaboración…

Buf…para hablar de mi relación con Javier necesitaría toda una revista. Es algo así como mi padrino. Siempre que hablamos me está dando buenos consejos sobre como dirigir mi carrera. Para mi es un orgullo que toque en mis temas y que me llamase para llevar con él toda la pre-producción de Flamenco Blues Experience. Hablar de tú a tú con alguien con su trayectoria, que te valore y que se preocupe por ti es algo fantástico. Es un amigo.

Dean Brown ha ejercido de co-productor… háblanos de su participación como músico y de la labor conjunto que habéis llevado en la producción…

Llamé a Dean porque su participación en mi anterior disco, aunque solo tocó la parte rítmica de un tema, fue la más creativa de todas las que he tenido en todos mis discos. Le llamé cuando solo tenía la mitad de temas acabados más o menos y hemos trabajado juntos desde la base hasta el final. La verdad es que ha sido una experiencia inolvidable y que me ha llenado de autoconfianza porque cada cosa que le enviaba a Dean le gustaba y cuando ponía sus guitarras, el tema tomaba la sensación de discazo. Sobre todo, me ha ayudado mucho a quitarme muchas inseguridades que siempre he tenido debido a mi falta de educación musical. Cuando hablas con gente tan grande, te das cuenta de lo que realmente vale la pena en la música.

Sorprende la participación de Sole Giménez, una cantante que ha llevado una carrera muy cercana al pop… ¿Cómo surgió la participación en tu álbum? ¿Qué consideras que se ha desenvuelto en el terreno tan profundamente “black” de tu álbum?

Sole es una de las voces más carismáticas y con más soul de España. Llevo 7 años queriendo que participe en alguno de mis temas. En mi primer disco quise que cantara Dream y me reuní con su agente en aquella época. Me dijo que no podía ser. Yo nunca supe si Sole habría sabido de mi reunión y cuando vi que tenía Myspace le escribí de inmediato y se metió en seguida en la producción. Ella jamás supo de mi primer intento…cosas de managers.

Y háblanos de tu banda… ¿siguen siendo los mismos músicos que te acopañan en los últimos años?

Tener una banda estable en el mundo este del jazz/blues/funk…es bastante difícil, especialmente si vives en una ciudad como Alcoy, sin tradición musical (sin músicos) en este estilo pero, sobre todo, por la imposibilidad de hacer giras grandes y la gente se ha de ganar la vida colaborando en muchos proyectos. A pesar de eso, mi banda ha permanecido casi totalmente estable durante los últimos 2 años pero con 3 sedes, Alcoy, Madrid y Bilbao, algo que hace imposible los ensayos. Para eso están las pruebas de sonido, ja, ja, ja, ja.

El disco ha sido grabado en 5 países, en 17 estudios y con 23 músicos participando… ¿ha sido complicado resolver la logística y posteriormente darle una unidad a todo el conjunto?

Esa es una tarea de la que estoy especialmente orgulloso ya que la he llevado enteramente yo, incluyendo la edición. Es muchísimo trabajo pero si hubiera tenido que contratar a un productor, el presupuesto hubiera sido prohibitivo. Ha sido duro pero muy gratificante.

Háblanos precisamente de “Todo me lleva a ti”, de su adaptación al español y sobre todo de tensión sentimental que supone esa letra…

Este es un tema dedicado a la adopción y que habla de forma muy subliminal (si no te lo explican, ni sabes que ese es el tema) de todo el proceso tan largo que tienen que pasar las personas que quieren adoptar. Hay un caso dentro de mi familia que mi mujer y yo estamos viviendo muy de cerca. Es un calvario absoluto. Así que decidí escirbir sobre ello. El tema es un diálogo entre una mujer que no puede tener hijos y el bebé que va a adoptar y que aún ni ha nacido. Mi letra es originalmente en inglés y cuando le ofrecí a Sole cantarla en español, ella hizo la adaptación.

En el tema “Nana” cuenta con la participación de tu hijo… que sino me equivoco es un bebé… Háblanos de su implicación en la canción y en que como te ha cambiado la vida su llegada…

Seguramente, el nacimiento de mi hijo haya influído tanto en el hecho de empezar a escribir letras aunque, precisamente la Nana no lleve letra alguna, jajaja. Decidí grabar su corazón cuando aún ni había nacido, en la ecografía. Después cuando nació, yo le cantaba melodías que se me iban ocurriendo cada día y dependiendo del momento. Unas mientras le cambiaba el pañal, otras para ir a dormir. En fin…podría hacer un disco para bebés, jajaja. La melodía que toca Kepa es la que yo le cantaba para dormir y, por supuesto, las risas que se oyen al principio son de mi bebé. Hoy tiene ya 19 meses. Nació el día en que tenía un concierto…que tuve que cancelar, claro.

En el disco manejas un montón de teclados… Y una novedad es que ahora también eres “endorser” de Moog… ¿Qué aportan los teclados Moog a tu música?

Paradójicamente diría que modernidad. A pesar de ser un instrumento antiguo, como todos los que uso, el Moog está hoy en día presente en producciones de primer nivel como Black Eyed Peas, por ejemplo, tanto en instrumentos lead (solistas) como en bajos y sub-graves que es donde más lo he usado.

Además tienes Hammond, Clavinet, Rhodes y Wurlitzer… ¿En qué compones inicialmente las canciones? ¿Cómo decides que instrumento es el adecuando para cierta canción o cierto pasaje?

Compongo siempre con instrumentos virtuales. Es decir, primero lo hago todo con el ordenador porque me resulta más sencillo y, más importante, porque no tengo una banda con la que poder ensayar semanalmente. En mi música, claramente el Hammond lleva la voz cantante pero con el resto de instrumentos voy intercalando dependiendo de lo que requiere el tema. Cada uno de ellos suena diferente y no es difícil ver donde hay que usarlos.

Tengo entendido que parte de lo que parecen guitarras wah-wah son sonidos de Clavinet pasados por un módulo de ese tipo de efecto… ¿Cómo has logrado ese parecido?

La verdad es que un Clavinet bien tocado y un pedal (modulos no, por favor) de wha hace en muchas ocasiones innecesaria la aportación de un guitarrista. Temas como Don´t Look So Sad que es, seguramente el más funky de todos los del disco, está tocado enteramente por teclados a excepción de los metales y la batería.

¿Cuándo saldrá publicado tú álbum? ¿En qué países?

El disco saldrá el 27 de junio. La presentación se hará en el festival de San Javier. A fecha de hoy, aunque falta una confirmación total, será el concierto de apertura de dicho festival. El disco saldrá con el sello BHM que lo lanzará por toda Europa y Japón. Seguramente reeditaremos nuestro acuerdo con BlueArt para Latinoamerica y espero que fructifiquen unos contactos con un sello Americano lo que nos llevaría a estar presentes en todo el mundo.

¿Cómo se presentan los próximos meses en cuanto a conciertos?

La música no es ajena a la crisis. En mi caso, este es un proyecto que depende casi enteramente de instituciones públicas ya sean teatros, casas de cultura o festivales, todos dependen de Ayuntamientos y ya sabemos cómo está la cosa. Fatal. Aún así, aunque faltan algunos meses, parece que ahora con la aprobación de presupuestos empiece a moverse la cosa. Esperamos hacer una girita decente.

Para conocer más detalles sobre el nuevo disco de Mauri Sanchis, podéis visitar su página web oficial: www.maurisanchis.com